Tous saluent celui-là ! Les cinéphiles adorent le grand jeu d’acteur, les effets visuels brillants, un score en flèche et une chimie palpable entre les stars, mais peu de choses impressionnent davantage le public que la prise de vue unique, alias la seule. Les grands oners peuvent servir à plusieurs fins. Ils peuvent vous immerger dans un événement et vous permettre d’être témoin de ce qui se passe autour d’un personnage ou de personnages, augmentant ainsi les enjeux du processus, comme dans la scène d’ouverture de Le joueur (Plus sur cela dans un instant). De même, ils peuvent vous mettre dans la peau d’un personnage (ou vous placer juste derrière lui) pour que vous voyiez exactement ce qu’il fait, en temps réel, comme Stanley Kubrick suit le tour de la grande roue de Danny dans Le brillant (plus à ce sujet aussi). Cela rend les événements très, très personnels.
Les meilleurs et les plus récents incluent le combat d’escalier de John Wick: Chapitre 4 et le combat de couloir dans Les Gardiens De La Galaxie, Vol. 3. En effet, James Gunn sait diriger l’action, et il se surpasse avec celui en Tome 3, qui oppose Peter Quill, Gamora, Drax, Rocket, Groot et le reste de nos héros à de redoutables méchants dans une orgie continue d’action, de cascades, d’horreur corporelle, de comédie, de camaraderie, d’effets visuels, de corps volant des pièces et des fluides jaillissants. Un bit envoie la caméra à travers un trou béant dans le ventre d’un méchant, tandis qu’un autre trouve Rocket grimpant au sommet de Groot, recréant ainsi un moment du premier film. Et la séquence se termine par un plan de tout le groupe, épuisé et souffrant, non seulement ayant gagné, mais le faisant ensemble.
Sans surprise, cette scène a nécessité des mois de préparation comprenant des storyboards, des chorégraphies, des animatiques, des cascades… et cinq jours pour filmer. Et même si cela ressemble à un seul plan, la séquence est en fait composée de près de 20 plans, tous montés et améliorés de manière transparente avec CG. Considérez: les créatures n’existaient pas, les cascadeurs devaient remplacer les stars dans les moments clés et, bien, les cinq jours de tournage. C’est au spectateur de décider si toute cette ruse rend un oner moins impressionnant. Cependant, il y a quelque chose de spécial dans une très longue prise, quand elle est évidemment faite sans améliorations CG ou technologie du 21e siècle, qui engage le spectateur d’une manière plus profonde que de sentir les dizaines de techniciens d’une maison de post-production de North Hollywood qui font ça « oner » semble homogène.
Les oners sont aussi vieux que les films
On pourrait dire que les oners ont commencé avec des films muets. Le moulinet 1903 d’Edwin S. Porter Le grand vol de train vient à l’esprit, même si ses longues prises étaient plus une nécessité qu’un choix créatif. (Cependant, l’utilisation par Porter des coupes transversales, qu’il a expérimentées dans les années 1903 La vie d’un pompier américain, changeaient la donne dans l’art du montage de films.) Parmi les premiers films parlants, Howard Hawks Scarface (1932) présente une remarquable séquence d’ouverture de trois minutes sans coupure. Légendaire d’Orson Welles Citoyen Kane (1941) comprend de longues prises et oners, tout comme son Toucher du mal (1958). La célèbre expérience d’Alfred Hitchcock, 1948 Corde, où le film entier a été joué en tant qu’un, était en fait composé de quatre scènes habilement montées pour jouer en 80 minutes non coupées. Quelqu’un passe devant la caméra ? Cela a permis une coupe sournoise. Les critiques de l’époque ont pour la plupart rejeté l’intrigue du film et considéré le seul élément comme un gadget plus qu’autre chose.
En avançant dans le temps et en restant fidèles aux films américains, on peut citer le film de Stanley Kubrick Le brillant (1980), avec son travelling Steadicam magistral et énervant du jeune Danny chevauchant sa grande roue autour du sinistre hôtel Overlook. Le spectateur est avec Danny, mais dans ce cas, pas Danny (nous voyons/expérimentons une grande partie de ce qu’il voit, mais nous le suivons). Sauter une décennie à 1990 nous amène à Affranchis, dans lequel la caméra de Martin Scorsese, au cours de deux minutes scintillantes, suit Henry Hill (Ray Liotta) et sa puissante date impressionnée, Karen (Lorraine Bracco), alors qu’ils marchent de la rue, dans les entrailles du Copacabana, et à leur table, avec les copains de Hill, qui graissaient le personnel et s’imprégnaient du respect de chacun. Il l’a fait, mec.
En 1992, Robert Altman relance sa carrière avec Le joueur, un regard cinglant sur la façon dont la saucisse est fabriquée à Hollywood et par qui. Le scène d’ouverture de huit minutes nous emmène dans un studio de cinéma animé où nous voyons des péons et des déménageurs et des secoueurs en action, marchant, parlant, tanguant (Le Diplômé 2!), crash, et plus encore. Nous sommes parfois à l’extérieur regardant à l’intérieur ou à l’intérieur regardant dehors. Il y a des camées d’initiés, des références à des travellings dans Toucher du mal et Noviceset, le meilleur de tous, apparaît la carte postale qui met l’intrigue en mouvement.
Nous pouvons citer de nombreux autres films avec d’excellents films, et nous inclurons ici quelques favoris étrangers avec d’autres titres hollywoodiens : Dur bouilli (1992), Vieux garçon (2003), Expiation (2007), Les aventures de Tintin (2011), Credo (2015), Spectre (2015), Bébé conducteur (2017), et Blonde atomique (2017). Au cours d’une séquence folle de 10 minutes, Blonde atomique offre des fusillades, des combats au corps à corps, de brefs répits et le développement du personnage. Et il y a deux films relativement récents, homme-oiseau (2015) et 1917 (2019), réalisé et tourné respectivement par Alejandro González Iñárritu et Emmanuel Lubezki et Sam Mendes et Roger Deakins. Ceux-ci ont été filmés en morceaux (principalement de 10 à 15 minutes), assemblés avec beaucoup de savoir-faire et de subterfuges, et présentés comme des films complets. Sans surprise, Iñárritu et Lubezki ont remporté des Oscars pour leurs efforts.
Celui qui grandit grâce à la technologie
Le maître moderne de l’un est sans conteste Alfonso Cuarón. Le double lauréat de l’Oscar du meilleur réalisateur a créé de nombreuses séquences mémorables dans ses films. Considérer Enfants des hommes (2006) et La gravité (2013). Enfants des hommes comprend 16 plans de 45 secondes ou plus et deux oners exceptionnels. Dans l’un, Clive Owen traverse une zone de guerre. Le plus célèbre trouve Julianne Moore, Clive Owen, Clare-Hope Ashitey, Chiwetel Ejiofor et Pam Ferris traversant un paysage dystopique lorsqu’ils sont pris en embuscade par un grand gang. La voiture avance, se fait frapper et tirer dessus, et la fait reculer. Ajoutez à cela des dizaines de figurants, des explosions, des giclées de sang et des cascades à moto. Au milieu de tout cela, le personnage de Moore prend une balle dans le cou et saigne. L’équipe de production (qui comprenait le susmentionné Lubezki en tant que directeur de la photographie) a découpé une voiture, installé des sièges articulés, érigé une plate-forme mobile, installé des caméras mobiles. Il a dû y avoir des coupures, mais nous vous mettons au défi de les trouver.
Le tandem Cuarón-Lubezki réuni pour La gravité et tous deux ont mérité des Oscars pour avoir envoyé des cinéphiles dans l’espace et les avoir laissés (ainsi que la pauvre Sandra Bullock) bloqués là-bas. Le film s’ouvre sur un 17 minutes qui nous montre la Terre depuis l’espace, présente l’équipage d’une navette travaillant sur le télescope Hubble, leur envoie des débris, tue finalement George Clooney et laisse Bullock tout seul. Cuarón a cherché à rendre hommage aux documentaires spatiaux, dont les caméras ne peuvent pas couper. Pour ce faire, lui, Lubezki et leur équipe, qui comprenait le co-éditeur Mark Sanger, ont prévisualisé chaque aspect, déployé toutes les astuces pratiques et VFX à leur disposition et inventé/improvisé des solutions au besoin. Cela comprenait une « boîte lumineuse » claustrophobe et pleine d’ampoules dans laquelle Bullock a passé d’innombrables heures. Comme Cuarón l’a dit au New York Times, « Nous voulions immerger lentement le public dans, d’abord, l’environnement, pour ensuite le plonger dans l’action, et le but ultime de toute cette expérience était que le public se sente comme s’il était un troisième personnage qui flotte avec nos deux autres personnages dans l’espace. Mission accomplie.
De grands personnages peuvent apparaître dans les films les plus inattendus. La nouvelle aventure familiale Disney+ Peter Pan et Wendy s’ouvre sur quelques photos de famille dans la maison Darling, puis suit la jeune Wendy dans un escalier en colimaçon, puis dans une chambre où elle engage ses frères dans un faux combat à l’épée avant de faire la connaissance de Peter. Pour réaliser la séquence élaborée de trois minutes, le réalisateur David Lowery et le directeur de la photographie Bojan Bazelli se sont appuyés sur la dernière innovation Steadicam, la Steadicam Trinity, et une plate-forme rotative en forme d’ascenseur qui pouvait suivre et maintenir la même vitesse que l’actrice Ever Anderson. alors qu’elle montait les escaliers. Mais, oui, si vous vous posez la question, il y a des coupures car il n’était ni pratique ni sûr d’ériger un ensemble à trois niveaux.
Les oners font donc partie des films depuis le tout début de cette forme d’art. Bien sûr, ils sont plus fantaisistes maintenant, car les réalisateurs et les directeurs de la photographie utilisent des flous de mouvement, des points d’assemblage, des CGI et de nombreuses autres supercheries pour vendre l’illusion que, par exemple, Chris Hemsworth conduit, tire et se fraye un chemin hors de danger. pendant le oner de 12 minutes dans Netflix Extraction. Mais que celui-ci soit le résultat de prouesses de post-production ou d’ingéniosité sur le plateau (ou, plus probablement, des deux), ils peuvent toujours vous mettre à l’intérieur d’un film d’une manière que très peu d’autres techniques visuelles peuvent. Ils peuvent élever une scène ou même un film entier. En effet, que les merveilles (des oners) ne cessent jamais.
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